Crónicas del Rock

CYGNUS es una banda de folk metal progresivo que nació en Cali, Colombia, hace más de una década con la idea de fusionar la fuerza del metal con la riqueza melódica de la música sinfónica y las leyendas antiguas. Integrado por Deneb en el bajo, voz y orquestaciones, Ruxx en la batería y voz, Jota en la guitarra y voz, Drew en la guitarra líder y Stef en la flauta traversa, el grupo toma el nombre de la constelación del Cisne. Durante sus aproximadamente 15 años de carrera, Cygnus ha publicado cinco discos de estudio: 'Yggdrasil' (2019), 'Fire and Tales' (2020), 'Ancient Visions' (2021), 'Death and Glory' (2022), 'Revival' (2023). Su sexto trabajo 'Legends of Norse Lore' será publicado en 2026.

La intención de su propuesta musical es contar historias a través del metal. Cygnus busca que cada canción sea una experiencia narrativa y sensorial: música que transporte al oyente a mundos de mitología, batallas, leyendas y emociones humanas profundas. Fusionan la energía del metal progresivo con la fuerza evocadora del folk y la majestuosidad de los arreglos sinfónicos, pues creen que la música puede ser tanto un viaje estético como una experiencia emocional intensa.

"Con nuestras canciones queremos llevar un mensaje de resistencia, memoria y trascendencia. Usamos la mitología nórdica, las leyendas y la historia como espejos para hablar de temas universales: la lucha del ser humano contra la adversidad, la búsqueda del honor, la fuerza de la comunidad y la esperanza frente a la oscuridad. Cada relato mítico es también una metáfora de lo que vivimos hoy. Detrás de dioses, héroes y batallas, hablamos de emociones humanas: la valentía, el sacrificio, el dolor, pero también la celebración de la vida y la posibilidad de renacer", cuentan.

"Nuestro mensaje también es celebración: la fiesta, la hidromiel compartida, el beber con los amigos, el sexo y lo terrenal, el aquí y el ahora. Honrar las derrotas, brindar por los triunfos, vivir lo ceremonial y lo ásatrú como un puente entre lo ancestral y lo presente", agrega la banda que se nutre de influencias musicales de rock clásico, metal, folk nórdico y la música académica en grupos como The Beatles, Led Zeppelin, Deep Purple, Queen, Dream Theater, Wardruna, Ensiferum y Rhapsody of Fire, Luarna Lubre, Faun, Mozart, Rachmaninov, Chopin, Beethoven, Tchaikovsky Smetana y Borodin, además de compositores contemporáneos de música para cine como Hans Zimmer y Howard Shore, quienes aportan ese carácter épico y narrativo a su sonido.

The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie

'The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie' es el nuevo lanzamiento de CYGNUS, una canción que explora la superstición, la deshonra, la ironía trágica del destino y la revivificación de los muertos, con un tono que mezcla lo épico y el humor, todo esto bajo la temporada clave de Halloween con arreglos orquestales y corales.

"Este sencillo nació a partir de una anécdota histórica en donde un guerrero cayó, no por un rival vivo, sino por una infección causada por los dientes de un enemigo decapitado", mencionan.

A nivel sonoro, 'The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie' es un tema que juega con contrastes. Las estrofas son heavy, con riffs veloces y poderosos. Hay cifras de compás que cambian el beat de maneras inesperadas para el oyente, contrastando con los coros y el theme principal que se vuelven melódicos y expansivos, generando un balance entre agresividad y lirismo.

"Hay una sección donde exploramos armonías disminuidas para crear un ambiente de tensión y dramatismo, que refuerza la narrativa sombría de la historia. Además, la canción incluye un pasaje con influencias del djent, aportando texturas rítmicas complejas y atmósferas muy interesantes dentro de la estructura progresiva del tema", cuentan.

El video de 'The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie' fue concebido como el contraste visual de su anterior lanzamiento 'Fenrir the Wolf' rodado en blanco. Este se desarrolla en negro, sumergiendo al espectador en un universo más oscuro, ritual y denso.

En el centro de la propuesta está el performance en vivo de la banda, acompañado por un octeto de cuerdas y un coro conformado por seguidores, seleccionados entre 53 aplicantes que respondieron a una convocatoria abierta. Su participación refuerza el sentido de comunidad que siempre ha acompañado a Cygnus, integrando a los fans en la creación misma de la obra. El coro aparece con maquillaje ásatrú, encarnando a las völvas o videntes, guardianes del rito y del destino.

"El proyecto trasciende lo performativo: incorporamos inteligencia artificial generativa de video para recrear la historia de Sigurd y Mael. Estas animaciones dan vida a los personajes, sus ejércitos, el conflicto, la celebración y, sobre todo, al karma de Sigurd por haber roto su juramento. La figura de la cabeza zombie de Mael aparece como alucinación recurrente en sus visiones y pesadillas, símbolo de la culpa y la condena que lo consume mientras delira bajo la fiebre de la sepsis que finalmente lo lleva a su destino fatal", enfatiza Cygnus.

'The Ballad of Sigurd the Brave and the First Accidental Zombie' es el punto de quiebre en la historia de CYGNUS. Además, es el primer adelanto de su próximo álbum 'Legends of Norse Lore' (2026) y la carta de presentación de la nueva etapa de la banda, buscando ampliar su audiencia en Colombia y Latinoamérica, llegando a nuevos públicos que quizá aún no han explorado el folk/metal sinfónico.

La banda colombiana también espera posicionarse en medios especializados en rock y metal a nivel nacional e internacional; conectar con festivales y tener la visibilidad y el respaldo suficiente para aplicar a espacios como Rock al Parque y otros escenarios importantes. Adicionalmente, el grupo quiere impactar en la escena latinoamericana mostrando que desde Colombia se puede producir metal con calidad internacional, con propuestas conceptuales, orquestales y ambiciosas.

"Esperamos que la canción invite a los oyentes a vivir la experiencia completa: una mezcla de peso, melodía y narrativa épica que los transporte a un mundo de mitos, ironías y celebraciones", agregan.

El nuevo trabajo de CYGNUS está concebido como una odisea de folk metal progresivo, en donde cada canción narra historias inspiradas en la mitología nórdica, la historia y las leyendas, pero siempre con un giro inesperado que las conecta con lo humano, lo ritual y lo contemporáneo. El álbum incluirá 10 canciones, todas con un fuerte componente narrativo y orquestal, donde la presencia de coro y ensamble de cuerdas será fundamental para expandir la dimensión épica de la música.

Según CYGNUS, "La canción es ideal para esos momentos de intensidad, cuando necesitamos fuerza para enfrentar un reto, recordar la importancia de hacer lo correcto —porque de lo contrario el karma siempre llega— y comprender que incluso la derrota, puede ser gloriosa. También es una canción para dejarnos llevar por lo épico de la música, el virtuosismo y el disfrute de una melodía pegajosa. Es perfecta para escuchar de noche, con los amigos y una copa de hidromiel, vino o cerveza en mano, celebrando triunfos y honrando derrotas. Pero también acompaña la introspección personal, cuando buscamos sentir tensión, dramatismo y catarsis. Y, por supuesto, en vivo, en un concierto nuestro en donde la experiencia se convierte en un verdadero ritual colectivo".

A nivel visual, el sencillo se apoya en tres elementos principales que construyen su identidad gráfica:

Primero, la cabeza de Mael, que se ha convertido en una especie de 'mascota' y símbolo de la banda. Representa el peso del karma y la ironía del destino, y será el emblema central de todo lo relacionado con este sencillo. Segundo, la portada del álbum 'Legends of Norse Lore', que enmarca el concepto general y sirve como referencia estética para el proyecto completo. Tercero, la fotografía de la banda durante el rodaje, que aporta cercanía y autenticidad al mostrar el lado humano detrás de la experiencia audiovisual. De esta manera, el concepto visual del sencillo combina lo icónico y grotesco (la cabeza de Mael), lo épico y conceptual (la portada del álbum) y lo vivencial (la foto de la banda), creando una narrativa visual coherente y reconocible alrededor del lanzamiento.

El enfoque principal de CYGNUS para los próximos meses será terminar la grabación del álbum 'Legends of Norse Lore' y cumplir con la intensa agenda de presentaciones en vivo.

"Es importante que las personas en Colombia y Latinoamérica se den la oportunidad de conocer a CYGNUS porque representamos una propuesta única dentro de la escena: un proyecto de folk metal progresivo con un fuerte componente orquestal y narrativo, muy poco común en la región. Nuestra música une la fuerza del metal con la profundidad de la música sinfónica y la magia de las leyendas nórdicas, siempre desde una mirada propia, creada en Latinoamérica, con identidad y con la convicción de que desde aquí también se pueden gestar obras de nivel internacional. Descubrir a Cygnus es descubrir que el metal puede ser una experiencia ritual y colectiva, un espacio para celebrar, reflexionar, cantar, beber y sentir. En un continente que valora tanto la fiesta como la resistencia, la propuesta de la banda une ambas dimensiones y ofrece un espectáculo que trasciende lo musical para convertirse en una vivencia épica y emocional", concluyen.

La cantautora de República Dominicana Ivy Negro publica su primer disco de estudio titulado 'Tártaro'.

Luego de varios adelantos, una gira de medios y la realización de un exitoso concierto de prelanzamiento en Casa de Teatro el pasado 5 de septiembre, Ivy Negro culmina esta etapa donde comparte una selección de sus composiciones.

Las historias abordadas en 'Tártaro' van entrelazadas tanto por la estética como las referencias, en este disco escuchamos influencias del rock, del blues, funk, jazz, trova y otros ritmos. Los temas abordados van desde atracciones, lujuria, decepción, análisis introspectivos, hasta pasiones no consumadas.

'Tártaro', dentro de la mitología griega, se conoce como el fondo, lo más hondo del inframundo, un abismo sin salida donde se arrojaban los titanes.

"Mi Tártaro personal es mi horno interior: ahí deposito mis heridas, mis dudas, mis errores y mis miedos. Allí se queman, se transforman, se purifican y se convierten en canción. Llamar al álbum así es aceptar que el arte nace de la profundidad, en mi caso de mis entrañas, pero no para quedarse allí, sino para emerger distinto, más humano, más verdadero", comenta la artista dominicana.

El disco está compuesto por diez (10) canciones, donde todas las obras son autoría de Ivy Negro; a excepción de 'Infierno en Mi piel', la cual fue escrita junto a Pablo Cavallo. La artista también fue la coproductora del disco junto a Frnz Mendini, Rafa Payán, Alejandro Tavarez, cada uno en varias de las canciones. Por otro lado, Wenn Ferreira masterizó y mezcló varios de estos temas. Para algunos de los temas igualmente recibió coach vocal de Laura Rivera como de Gustavo Medina. En ese mismo orden, la cantante da menciones especiales a gente que creyó en ella como como Kelvin Socorro, Ángel Ortiz y a Carl Jackie por la disposición y el estar siempre presentes desde el principio.

El sencillo promocional que acompaña el lanzamiento del álbum debut de Ivy Negro es 'El Tártaro'. El Tártaro es el encierro o el abismo donde la dominicana tiene encerradas sus emociones y las funde cual metal fundido hasta convertirlas en canciones.

Hace unos días se lanzó en plataformas musicales “Kraken II Remasterizado”, un trabajo producido por Víctor García (exintegrante de Nash), quien conservaba en sus archivos las grabaciones originales del mítico Kraken II, registradas en los años 80, todo un hallazgo brutal e inesperado para los seguidores del titán del rock colombiano.

Recordemos que la alineación de Kraken en aquella época estaba conformada por Elkin Ramírez, Hugo Restrepo, Jorge Atehortúa y Gonzalo Vásquez, para el este álbum hubo músicos invitados tales como: Jaime Ochoa y el propio Víctor García. Corría el año 1989, una época en la que la tecnología en Colombia aún no ofrecía las condiciones ideales para lograr una producción impecable en géneros como el rock o el metal, (en un país dominado por los sonidos tropicales y salseros), por eso, tanto Kraken I como Kraken II fueron grabados, como se dice popularmente, “con las uñas”, pero con una pasión y una fuerza que marcaron historia.

El pasado 28 de septiembre, Codiscos realizó un conversatorio de este proyecto donde músicos, productores, técnicos e invitados compartieron sus impresiones, el proceso de remasterización y los desafíos de revivir este emblemático álbum, fue un espacio cargado de emoción, memoria, nostalgia y reconocimiento al legado de una de las bandas más influyentes del rock colombiano.

Como bien saben soy seguidor de Kraken desde hace muchos años, debo decir que escuchar este nuevo lanzamiento ha sido una experiencia profundamente conmovedora, este trabajo llega directo al corazón, la memoria y el alma, la mejora en el sonido es notable,  un sonido más poderoso, épico y brutal, como siempre mereció la banda. Los instrumentos (guitarra, bajo y teclados) se perciben con una presencia más definida y un cuerpo más sólido, dándole a cada tema una contundencia que realza el espíritu del grupo.

Aun así, no puedo dejar de valorar las grabaciones originales, ese “mal sonido” de antaño tiene su magia, su mística, su alma... Kraken siempre vivirá en mi corazón; ha sido, sin duda, la banda sonora de mi vida y muchas más personas, todo material inédito que surja es un regalo invaluable que perpetúa el legado de Elkin Ramírez, la mente maestra detrás de todo lo que representa Kraken, junto a todos los músicos que lo acompañaron a lo largo de las distintas etapas de la banda; ellos me inspiran cada día a soñar, a llorar, a amar con locura la música y la visión del mundo que nos dejó el maestro Elkin.

Este lanzamiento merece celebrarse en grande, es por eso que a partir del día de ayer, se encuentra disponible en la página web de codiscos este mítico álbum en formato LP, una auténtica joya de colección para los fanáticos y coleccionistas del rock colombiano.

La banda de metal melódico Ashes Awaken, originaria de Pittsburgh, irrumpe en la escena con su single debut “A Better Way”, la primera muestra de su próximo álbum completo Rise, cuyo lanzamiento está previsto para finales de 2025. Combinando la intensidad del rock y del metal melódico moderno con narrativas impulsadas por la fe, “A Better Way” es un himno electrizante de resiliencia, recuperación y redención.

Impulsada por riffs graves, baterías atronadoras y voces imponentes que oscilan entre una agresión abrasadora y melodías expansivas, la canción transmite el impacto visceral de la música pesada mientras ofrece un mensaje claro de esperanza y gracia. Su estribillo, pensado para corearse, captura el espíritu de desafío y liberación: un recordatorio poderoso de que, para quienes luchan contra la adicción y el quebranto, siempre hay un camino hacia adelante.

“Esta canción nació de una lucha real,” afirma el compositor y portavoz Michael Stover. “Hemos visto a personas que amamos luchar contra cadenas—adicción, vergüenza, aislamiento—y nosotros mismos hemos librado esas batallas. ‘A Better Way’ es nuestra manera de lanzar un salvavidas: no eres tu pasado, y no estás solo. En Jesús, hay libertad.”

La música de Ashes Awaken habita el espacio donde el metal melódico se encuentra con la atmósfera cinematográfica, impregnada de un lirismo cargado de espiritualidad. Con Rise, la banda amplía aún más esa paleta creativa, entretejiendo temas de renacimiento, resiliencia y resurgir de las cenizas. A lo largo del arco narrativo del álbum—que transita de los muros de una prisión a las alas de un fénix—el grupo combina breakdowns monumentales y coros imponentes con letras que encaran la oscuridad con honestidad, pero sin dejar nunca al oyente atrapado en ella.

Procedente de Pittsburgh, Pensilvania, Ashes Awaken forja un metal pesado y lleno de esperanza que habla tanto al cuerpo como al alma. Con la misión de llevar luz a los lugares más oscuros, la banda crea canciones catárticas sobre romper cadenas, reconstruir la fe y volver a levantarse.

Backdrop Falls acaba de lanzar su nuevo sencillo, “Choose to Fight”, ya disponible en todas las plataformas digitales junto con su videoclip en YouTube. Esta canción es una invitación para quienes buscan algo nuevo y emocionante, una muestra de la energía y autenticidad que la banda transmite. “Choose to Fight” profundiza en temas de superación y autodescubrimiento, explorando el viaje de quienes se niegan a quedarse quietos y abrazan cada paso —incluso los errores— como parte del camino.

La canción presenta coros pegadizos y riffs que transitan entre el punk rock y el rock alternativo, sin perder el sonido característico de Backdrop Falls. Es el tipo de tema que te transporta a la atmósfera vibrante de una película californiana de los años 90, hecha para escucharse a todo volumen.

Con casi diez años de trayectoria, Backdrop Falls ha mostrado un crecimiento constante, ofreciendo un sonido con la dosis justa de potencia sin perder su identidad. Originaria de Fortaleza, fuera del eje musical tradicional del sureste de Brasil, la banda es un claro ejemplo de la diversidad y calidad de la música que florece en todo el país. Sus composiciones están llenas de emociones genuinas —una de las principales marcas del cuarteto liderado por el vocalista y guitarrista Matheus Collyer.

A lo largo de su carrera, Backdrop Falls ha compartido escenario con bandas como Sum 41, Against Me, Hot Water Music, Face to Face y Hellacopters, y ha participado en importantes festivales como Garage Sounds, Oxigênio Fest y Do Sol. La banda también ha realizado giras por distintas regiones de Brasil —incluyendo el noreste, sur y sureste— además de presentaciones en Argentina, construyendo así una sólida trayectoria dentro de la escena independiente.

“Con ‘Choose to Fight’, queremos que la gente sienta la misma energía que ponemos en cada nota”, comenta Matheus Collyer. “Es una canción sobre seguir adelante, sobre no tener miedo de equivocarse y luchar por lo que realmente importa. Si te gusta la buena música, hecha por personas reales y con mucha energía, necesitas escuchar a esta banda. Y cuando escuches a alguien decir que el rock ha muerto o que ya no hay bandas nuevas haciendo cosas buenas, ¡muéstrales esta banda!”

El pasado 11 de octubre de 2025, Medellín fue testigo de una de esas noches que quedarán tatuadas en la memoria colectiva de los amantes del rock. A pesar de la persistente lluvia que cayó sobre la ciudad, el Estadio Atanasio Girardot vibró con la energía y el poder de Guns N’ Roses, que regresaron a Colombia con un show monumental de tres horas, cargado de clásicos, nostalgia y fuego escénico.

Desde las primeras horas de la tarde, el ambiente en el Medellín anunciaba lo que se avecinaba: chaquetas de cuero, sombreros, camisetas negras y una multitud expectante. Las puertas del estadio se abrieron a las cuatro, y aunque el cielo se empeñaba en no dar tregua, el público llegó preparado con carpas, impermeables y una fe inquebrantable en el poder del rock.

El ingreso fue sorprendentemente ágil. A las seis de la tarde, las graderías comenzaban a teñirse de negro, y el ambiente familiar llamaba la atención: padres, hijos e incluso abuelos compartiendo el mismo ritual. Guns N’ Roses no son solo una banda; son un legado que atraviesa generaciones.

El turno de calentar el escenario fue para Bajo Tierra, que con su clásico El pobre logró conectar de inmediato con el público y despertar ese espíritu roquero local. La lluvia aumentaba su intensidad, pero nadie parecía ceder terreno.

A las nueve de la noche, los primeros acordes de “Welcome to the Jungle” encendieron el estadio. A partir de ahí, la banda desplegó una setlist de 29 canciones que recorrió todas las etapas de su carrera: Mr. Brownstone, Bad Obsession, Chinese Democracy, Live and Let Die, You Could Be Mine, Sweet Child O’ Mine, November Rain y un cierre apoteósico con Paradise City. Entre tanto, joyas menos esperadas como Slither o Pretty Tied Up fueron recibidas con euforia.

Axl Rose, con 63 años, demostró que sigue siendo un frontman de otra era. Su voz, aunque marcada por el paso del tiempo, conservó su carácter y entrega. Saltó, corrió, cambió de chaquetas y se comunicó con el público con la energía de quien sabe que cada show puede ser el último, pero lo vive como el primero.

Slash, por su parte, fue un espectáculo aparte. Cada solo, cada nota, fue una clase magistral de guitarra. Su energía y virtuosismo desbordaron el escenario, confirmando por qué sigue siendo considerado uno de los mejores guitarristas de la historia del rock. Escucharlo en temas como Coma, Civil War o Nightrain fue una experiencia que rozó lo espiritual.

Para Alex Ahumada, asistente al concierto y amigo de esta casa, “fue una mezcla de nostalgia y energía. Axl, aunque con la voz gastada, se entregó por completo. Slash, impecable como siempre, nos hizo vibrar con todo su talento. Fueron tres horas de historia, rock real y tiempos que no mueren”.

Al final de la noche, empapados pero felices, los miles de asistentes sabían que habían presenciado algo irrepetible. Guns N’ Roses no sólo ofrecieron un concierto: ofrecieron una lección de resistencia, pasión y fidelidad al rock and roll. Bajo la lluvia, Medellín rugió con ellos.

En febrero de 2026, Bogotá será el escenario de una nueva forma de vivir la música en vivo. Se trata de Ondas, el primer festival de ciclo en Colombia, una propuesta al aire libre y de bajo impacto que busca transformar la manera en que nos conectamos con los festivales y con los artistas.

Una experiencia auténtica y significativa

En un presente donde la oferta cultural tiende al consumo masivo de experiencias, Ondas llega con una curaduría ecléctica, diversa e incluyente, que invita a disfrutar la música desde lo auténtico.

A diferencia de los festivales tradicionales que concentran decenas de artistas en un solo fin de semana, Ondas adopta el formato de festival de ciclo, desarrollándose en varias fechas, con solo uno o dos artistas por noche, para ofrecer una experiencia más íntima y profunda.

“Más que un evento, Ondas es un viaje sensorial que mezcla música, arte, cultura y gastronomía en un entorno pensado para quienes buscan vivir algo real, no masivo”, destacan los organizadores.

El Parque Simón Bolívar se convertirá en un teatro efímero

La primera edición de Ondas se llevará a cabo entre el 13 y el 22 de febrero de 2026 en el Parque Metropolitano Simón Bolívar de Bogotá. Durante seis días, este emblemático espacio se transformará en un teatro efímero al aire libre, donde cada noche cobrará vida un universo sonoro distinto.

Más que un festival, Ondas promete ser una experiencia cultural y ambientalmente responsable, donde cada detalle busca reconectar al público con la música, los artistas y el entorno.

Un nuevo concepto para Colombia

Con esta propuesta, Ondas se perfila como un referente de innovación cultural en el país, introduciendo un modelo que ya ha ganado fuerza en otras partes del mundo por su carácter sostenible, cercano y significativo.

Los próximos anuncios revelarán la programación artística, que promete nombres nacionales e internacionales cuidadosamente seleccionados para cada jornada.

Hasta entonces, lo que está claro es que Ondas viene a cambiar la forma en que vivimos los festivales en Colombia: menos multitud, más conexión.

🌊 Ondas Festival
📍 Parque Metropolitano Simón Bolívar, Bogotá
📅 Del 13 al 22 de febrero de 2026

Cómo buen oyente de música durante muchos años, no solo metal, también música con la que crecimos gracias a nuestros padres, primos, abuelos etc; de alguna manera toda esta herencia musical, ayudó o contribuyó para vivir en torno de la música y establecer una conexión única.

Desde los primeros años de adolescencia nos acercamos a artistas de talla mundial como José José, Camilo Sesto, Niño Bravo, Amanda Miguel, todos estos artistas creo yo que nos forjaron un gusto musical en relación a letras de amor, odio, melancolía, resiliencia...  En mi caso fue así, gracias a todos estos artistas y la crianza "musical" de mis padres tome un cariño y lealtad auténtica hacia la música.  Con el paso de los años fui descubriendo nuevos sonidos, géneros que me dieron la posibilidad de entender nuevas formas de pensar e interpretar lo que el mundo nos muestra todo los días constantemente.. La música clásica tales como: Chopin, Mozart, Beethoven, Paganini, Bach, Haendel etc. Me permitieron crecer aún más, sentirme en una lucha épica en un campo de batalla y como banda sonora alguna de las piezas musicales de dichos artistas... Fue un punto absolutamente trascendental ya que justo en mi juventud estaba en este mundo de las partituras y vestimenta elegante, combinado con un poco del barrio que dió otro género en su momento el reggae, me permitió también poder asumir y cambiar algunas posturas que tenía demasiado robustas en mi sistema de valores.  Gracias a estos dos géneros que van por corrientes totalmente contrarias descubrí mi lugar en el mundo llamado rock y metal... 

Gracias a la vida, porque en este enérgico y bello género muchos hemos encontrado un ancla poderosa, lo suficientemente pesada como para sostenernos en medio de las adversidades diarias. La música, al final, siempre está ahí, no importa lo que hagamos, lo que pensemos o lo que sintamos, ella aparece como respuesta. Es refugio, es impulso, te recarga cuando sientes que no queda más energía y te da la fuerza necesaria para salir y comerte el mundo, siempre con un espíritu libre y una mente en calma.

Amphettamine acaba de presentar su último sencillo, una potente reinvención de "Anesthesia", un clásico de la icónica banda de metal gótico Type O Negative. Este lanzamiento no es solo un homenaje, sino también una profunda declaración artística que precede al esperado segundo álbum de larga duración de la cantante. 

"Siempre he sido una gran fan de Type O Negative, y esta canción en particular, a pesar de ser uno de los clásicos de la banda, es mi favorita", dice Amandha Ribaski. "Puedo decir honestamente que 'Anesthesia' es una canción de la que siempre he deseado ser la compositora original. Más allá de la profunda letra, similar a la que escribo yo, también contiene elementos instrumentales que me encantan; elementos que, de forma inspiradora, también están presentes en la música de Amphettamine. En resumen, es una canción que desearía haber escrito yo, así que sentí que era apropiado rendirle homenaje mientras sigo trabajando en las composiciones de mi segundo álbum de larga duración".

La regrabación de "Anesthesia" por parte de Amphettamine aporta una perspectiva fresca al tema, conservando la esencia oscura y melancólica que lo convirtió en un himno para los fans de Type O Negative. Al mismo tiempo, impregna el sonido único y la identidad artística de Amphettamine. El sencillo sirve de puente entre el trabajo anterior de la artista y el nuevo material que aparecerá en su próximo proyecto, ofreciendo a los oyentes un vistazo a la evolución musical y lírica que está por venir. El sencillo "Anesthesia" ya está disponible en todas las plataformas de streaming.

Amphettamine es un proyecto en solitario concebido y fundado a principios de 2020 por Amandha Ribaski (compositora y vocalista). Líricamente, se adentra en temas oscuros, reales y cotidianos inspirados en experiencias personales. Las melodías reflejan estos matices, buscando la originalidad e incorporando influencias de sonidos post-grunge, góticos e industriales. El proyecto también cuenta con la colaboración de músicos invitados.

My Chemical Romance y Avenged Sevenfold en Bogotá: enero 2026 será un mes histórico para el rock

El 2026 comienza con fuerza en Colombia: My Chemical Romance y Avenged Sevenfold llegan a Bogotá en enero para protagonizar dos de los conciertos más esperados por los fanáticos del rock y el metal.

My Chemical Romance regresa a Colombia en 2026

La icónica banda My Chemical Romance anunció su regreso al país con un concierto el 22 de enero de 2026 en el Coliseo Vive Claro de Bogotá. El show hará parte de la gira South America 2026 y contará con la participación especial de The Hives, leyendas suecas del garage rock.

Las boletas ya están a la venta en Ticketmaster, con precios que van desde $275.000 en Preferencial hasta $841.000 en localidades cercanas al escenario, incluyendo la codiciada zona VIP.

Avenged Sevenfold reprograma su concierto en Bogotá

Por su parte, Avenged Sevenfold anunció que su presentación inicialmente programada para el 8 de octubre de 2025 en el Movistar Arena será reprogramada para enero de 2026. La decisión se tomó debido a un percance de salud que obligó a la banda a posponer toda su gira latinoamericana.

La organización confirmó que las entradas adquiridas seguirán siendo válidas para la nueva fecha, la cual será anunciada próximamente. Además, se comunicarán las políticas de reembolso para quienes lo requieran.

Bogotá: capital de los grandes conciertos en 2026

Con el regreso de My Chemical Romance y la reprogramación de Avenged Sevenfold, Bogotá se prepara para vivir un enero inolvidable. Dos estilos diferentes, pero igual de poderosos, prometen encender el corazón de los fanáticos y reafirmar a la capital como uno de los destinos más importantes para los conciertos internacionales en Colombia.

El 2026 arranca con una cita doble: la energía emo-punk de My Chemical Romance y la potencia del metal de Avenged Sevenfold. Sin duda, un mes histórico para el rock en el país.